Termina mais um Crítica Curta

audiencia de cinema

Dezessete estudantes de cinema e comunicação. Doze dias de cobertura de filmes espalhados pelas mostras Brasil, Internacional, Panorama Paulista, Latino-americana, Diversidade Sexual e Infanto-juvenil. Chega ao fim mais uma edição, a 10ª, do Crítica Curta, oficina de crítica de cinema que acontece durante o Festival Internacional de Curtas-metragens, cujos textos são publicados neste espaço.

Os textos produzidos neste ano continuarão disponíveis no blog, servindo como fonte de pesquisa para os próximos anos, ilustrando como esse ou aquele curta foi recebido no calor da hora. Para realizar uma consulta de um texto ou filme específico, basta usar o campo de busca na página inicial do blog (no topo, à direita, desta página), digitando o nome do filme. Se desejar navegar pelos assuntos que mais apareceram nos textos, basca fazer uma busca utilizando uma tag sob a qual as críticas foram marcadas (por exemplo: “adolescência”, “violência”, “política”, “animação”, etc).

É possível também efetuar buscas por meio da mostra em que os filmes foram exibidos. Lobo abaixo o campo de buscas, navegue por um dos itens tópico Filtro por Mostras.

Como coordenador do projeto, deixo aqui um agradecimento aos oficineiros que se comprometeram em realizar reflexões a respeito do curta-metragem, ao Festival de Curtas por manter a atividade, e aos leitores que acompanharam a cobertura por aqui.

Heitor Augusto

Ciclo: tecnologia recarregada

ciclo

por Mylena Santos Dantas –

Sons e ruídos de aparelhos eletrônicos. Movimentos e ações repetitivas e contínuas. O universo tecnológico imerso em quatro paredes. Ciclo, de Raquel Sancinetti, é uma animação que revela a solidão das relações humanas em uma sociedade extremamente tecnológica e consumista.

A construção e a estética do cenário – aparentemente uma sala de um apartamento ou de uma casa – é composta de uma colorização em tons escuros e por um ponto de luz que vai de encontro às personagens, sendo atribuída à luz de um aparelho de televisão. Esta estética mais “escura” evidencia o modo de viver vazio e monótono das personagens. Seus figurinos são sóbrios, acompanhando as características do ambiente.

Um homem e uma mulher; um casal. Separados a dois palmos de distância no sofá de sua sala, não exercem nem ao menos algum contato físico. Personagens que convivem no mesmo ambiente, separados por barreiras que os transformam, praticamente, em desconhecidos. Estas barreiras estão espalhadas por todo o ambiente: diversos aparelhos eletrônicos estão dispostos pelo cenário e constituem também o papel de personagens da narrativa.

Homem e mulher vivem em mundos paralelos, em sua rotina diária, cada qual interagindo com seus gadgets, que são trocados em algumas mudanças de cenas, revelando a diversidade de possibilidades que existem no universo tecnológico. A feição do homem é neutra, demonstrando frieza e indiferença à sua realidade, desempenhando suas ações de forma automática. A mulher tenta, em vão, chamar a atenção de seu parceiro; não sendo correspondida, se junta a ele às suas atividades rotineiras. São seres robotizados em função da tecnologia.

Assim como os eletrônicos, eles precisam que sua “bateria” (oxigênio) seja reposta e esse procedimento é feito da mesma forma que em seus aparelhos eletrônicos. A metáfora da “bateria” pode estar relacionada a nós, seres humanos, personagens do mundo real contemporâneo que também precisamos que nossa “bateria seja recarregada”, recarregada pelas novas tendências tecnológicas, estando sempre atualizados nas redes sociais e nos últimos lançamentos do mercado capitalista. Outro fator importante na composição do curta é o som, fundamental e responsável por fazer a ambientação dos aparelhos eletrônicos nas cenas, atribuindo-lhes características, além de evidenciar as ações contínuas das personagens.

Fazendo um paralelo ao tema abordado em Ciclo cito aqui a animação IDiots produzida pela Big Lazy Robot. Nela há características da metalinguagem: os personagens principais são robôs (ou seja, frutos da criação tecnológica) que são viciados em tecnologia, mais propriamente, nos gadgets. Os robôs podem ser comparados aos dois personagens da história aqui analisada, pois ambos usam a tecnologia como uma necessidade vital. Esta, por sua vez em Ciclo, é notada nas personagens sendo “recarregadas”, ligadas à tomada; em IDiots, quando os robôs começam a perder a conexão com seus aparelhos, e acabam voltando às suas atividades, abatidos, como se tivessem perdido sua “força”. Outro paralelo que pode ser estabelecido é a característica “robotizada” das personagens, ambos com a mesma simbologia de seres automatizados, mecânicos, programados.

Ciclo e IDiots possuem o mesmo caráter discursivo: a crítica ao consumo exacerbado da tecnologia, a maneira como ela está totalmente presente e inserida em nosso cotidiano, se tornando um costume, uma necessidade. Raquel Sancinetti, em uma produção inteiramente sua, exerce uma crítica ao mundo consumista e a decadência das relações interpessoais, do diálogo, do contato físico e visual. O elemento “robotizado” é mais uma crítica, que nos assemelha a um objeto, a uma máquina que desempenha funções totalmente automatizadas e mecânicas, necessitando ser sempre “recarregada” através da tecnologia.

Ciclo está na mostra Panorama Paulista 3 e Infanto-Juvenil 1. Clique aqui e veja a programação do filme no Festival de Curtas 2014

Laio: danos e projeções

laio

por Letícia Fudissaku –

De todos os curtas que vi neste festival, Laio foi o que deixou em mim uma impressão mais duradoura. Talvez pela temática, talvez por ser baseado em fatos reais, o curta passa uma forte mensagem, que transcende o âmbito da orientação sexual. A cena inicial já é bastante ousada, e causa um incômodo no espectador – menos pela situação representada do que pela trilha, que gera uma ambientação quase sinistra.

Essa sensação, como um mau pressentimento, me acompanhou durante todo o curta. Pensava o tempo todo “Tem alguma coisa errada, vai acontecer alguma coisa ruim”. Por isso, reconheço que a trilha é o elemento mais marcante do curta. Mas mesmo em cenas que a trilha é mais branda, alguma coisa – uma fala, um gesto, um enquadramento – mantém esse clima um tanto estranho, dando coesão à montagem.

A estrutura em crescente do curta não deixa a desejar quando chega em seu clímax: sem dar muitos detalhes, digo apenas que a cena é perturbadora, a ponto do espectador se sentir impotente em relação ao que vê. Pode ser uma visão um pouco exagerada da minha parte, mas foi o que senti. O que mais incomoda é a atitude de projetar todo os seus piores sentimentos em outras pessoas, que em nada contribuíram para tanto – e pensar que isso de fato acontece frequentemente.

O curta se torna ainda mais significativo, aliás, quando se tem a informação de que Laio é um dos poucos personagens bissexuais da mitologia grega. Apesar de ter utilizado termos de conotação negativa, Laio muito me agradou pela reflexão que ele propõe, ressignificando crimes de ódio – no sentido de que, às vezes, o problema não é o que o agressor sente pelo agredido, mas o que sente sobre si mesmo. Ao se sentir fraco, o protagonista arranca a força de dentro de si de forma brusca e egoísta. Laio é o retrato dessa injustiça, causada nada mais, nada menos que pela frustração.

Laio está na mostra Panorama Paulista 1. Clique aqui e veja a programação do filme no Festival de Curtas 2014

Das origens das criaturas

the masters voice caveirao

por Samuel Mariani –

The Master’s Voice: Caveirão é um curta que se relaciona com as temáticas dos filmes anteriores de Guilherme Marcondes. As técnicas de animação diferenciadas como a manipulação direta em vídeo, light writting e o pixilation ilustram bem a liberdade de criação do curta-metragem e a referência ao trabalho anterior de Marcondes, como em Tyger (2006).

A partir de uma locação real bem específica paulistana e uma premissa simples, o curta se desenrola usufruindo de uma boa direção de imagens animadas, ótimo tracking e ritmo. Assim, os espíritos noturnos da cidade ganham espaço para sua atuação temática e burlesca, além de esbanjar seu design lúgubre e bem elaborado.

Desse trabalho com o cômico e o sinistro, Caveirão também destaca uma figura policial autoritária quase humana e sua perseguição aos fantasmas boêmios. Porém, a razão desta caçada se enrola à existência deste personagem vigilante de uma maneira em que a narrativa em primeiro plano parece se justificar retroativamente, o que, ao meu ver, perde para a liberdade expressiva das animações do curta, que me parece muito mais atraente.

Dada esta narrativa justificada ao curta, parece-me pouco comparado à carga folclórica e de herança simbólica das animações, mesmo porque ela ganha mais importância em termos de montagem, pois a exposição do universo “animado” possui mais tempo de tela e é feita de maneira muito apurada.

De qualquer maneira, a locação poluída e a iluminação escassa contribuem para legitimar as animações que dançam em um cenário real, com referências refinadas e transições bem planejadas entre segmentos.

Para além da ideia do vigilante, me encanta no trabalho de Guilherme a sobrevida que o curta-metragem tem quando deixa livre para a imaginação a causa/origem dessas criaturas noturnas paulistanas, mistério e abertura que marca seu trabalho e que o expande para infinitas possibilidades.

The Master’s Voice: Caveirão está na mostra Panorama Paulista 5. Clique aqui e veja a programação do filme no Festival de Curtas 2014

A Nau dos Loucos: o quinto Império

a nau dos loucos

por João Pedone –

Eu, enquanto produtor do filme A Nau dos Loucos, sinto-me na obrigação de adverti-lo antes de começar a escrever. Não participei diretamente do processo criativo do filme nem tenho intenções propagandísticas, escrevo tão somente porque o filme me toca. Se alguém perceber aqui faltas para com a ética de crítico, peço-lhe desde já que me perdoe a falha indesejada [N.E.: A Nau dos Loucos foi produzido como um exercício de realização na ECA-USP e exibido no festival dentro do programa Cinema em Curso].

O filme abre com seus créditos iniciais em silêncio, e termina em silêncio sem créditos, de cara rompendo com a convenção estabelecida de experiência cinematográfica. Apresenta-se como um anti-filme. Esse silêncio sepulcral – artificial – atravessa toda a primeira sequência do filme: longa, não dramática. Há duas personagens, são músicos, mas o filme vai adiar sua apresentação.

Há uma ficção: as pessoas estão deixando São Paulo. É uma narração em voice over que, de maneira muito curiosa, se sobrepõe a imagens quotidianas do trânsito, e à figura também absolutamente quotidiana de um vendedor ambulante. O que continua a nos estranhar é o silêncio que toma conta da cidade de São Paulo.

Depois dessa exposição um tanto árida do cenário de um suposto êxodo coletivo, os músicos aparecem em primeiro plano para tocar sua música. Da mesma maneira que essas personagens se inserem (sua ação, suas roupas, sua fisicalidade) de maneira completamente destoante das outras personagens e do cenário, a montagem do filme as isola em um plano “à parte”: cenário sem profundidade e situação acronológica. Essa dupla está evidentemente destacada do filme, eles são o comentário dos realizadores sobre o próprio filme.

Felizmente, ao contrário de muitas obras autoindulgentes, a voz dos realizadores aqui se faz necessária para esclarecer a absoluta hermeticidade dos primeiros minutos de filme. Assim, quando eles cantam “vai embora, povo ingrato” e “esse silêncio que agora impera é o que sempre desejei”, completam o sentido do filme, mostrando-nos que a ficção que – à maneira de Othon, de Straub e Huillet – se desenrola sobre o pano de fundo da realidade é a ficção que os próprios diretores projetam sobre a cidade. O silêncio é o próprio desejo deles por silêncio que se impôs à representação. Há uma busca do filme por reencontrar paz, nem que seja fazendo tabula rasa da cidade.

Se o barco, ao final do filme, busca escapar, o plano de encerramento parece estático, margeando o rio sem jamais se desprender da visão da cidade. Há um evidente afeto pela cidade (“foi aqui que eu nasci, é aqui que morrerei”), que faz do filme um hino de amor a São Paulo – o que nada parece carregar de ironia. Um hino de amor e a projeção de um futuro melhor. Se essa projeção é romântica e idealista, isso não a desqualifica, porque essa parece ser a única saída possível. Já que a realidade material da cidade de São Paulo não oferece alternativas de transformação, o único caminho é o gesto desmedido, a negação da razão, a projeção de uma ficção subjetiva sobre uma realidade castradora, lembrando que a projeção, assim como o projeto, aponta para o futuro. Afinal, “nada deve parecer impossível de ser mudado”.

A Nau dos Loucos está na mostra Cinema em Curso 4. Clique aqui e veja a programação do filme no Festival de Curtas 2014

Close: corpo presente

close

por João Pedone –

Não são poucos os filmes exibidos no Kinoforum que falam sobre a dor da perda, mas Close é um dos únicos que encara a morte sem se debruçar sobre desdobramentos emocionais, talvez porque a morte aqui tenha um sentido não casual, mas simbólico.

Um menino vive sozinho com um pai solteiro, até o dia em que o menino acorda e o pai está morto. Na cena em que o menino encontra o corpo do pai – situação que prescinde de explicações a respeito das condições da morte –, seu único gesto é beber o copo de uísque que o pai havia deixado sobre a cômoda, mas ele não expressa nenhum tipo de descontentamento.

Pelo contrário, o menino assume um tom altivo depois do evento. Ele não avisa quem quer que seja a respeito da morte, conservando o cadáver (com o qual conversa) e passa a investigar os armários e gavetas, descobrindo pôsteres e músicas antigas e gravações de vídeo do pai e de si mesmo quando criança. É curioso perceber que essa morte não é entendida como perda, mesmo o menino tendo consciência de que o pai está, efetivamente, morto: ele evita sistematicamente a entrada de outras pessoas na casa. Que morte é essa, então, que não é perda?

Como dizia Machado de Assis, “agora que está morto, podemos falar bem dele”. O fim da existência material de uma pessoa preserva sua memória, moldada individualmente por cada um dos memoriosos. O pai falecido, o menino não precisa encarar suas contradições e ausências e pode se relacionar muito mais facilmente com a ideia de “pai” e com todo o universo simbólico a ele associado, universo esse de uma “mitologia masculina”: o tomar uísque, o fazer a barba, o ser um “homem grande”, vocativo que o pai endereça ao filho.

O filme se passa em torno da data do aniversário de treze anos do menino, a respeito da qual ouvimos pela primeira vez o pai dizer que seu filho é um “big man”. Da mesma forma, numa gravação antiga do nascimento do nosso protagonista vê-se o pai chamando o menino de “big man”. A morte do pai, então, assim como o aniversário é marca indelével da passagem do tempo, parte de um ritual de transição onde ele se torna um homem adulto. Essa morte, então, tem um sentido necessário e progressivo, porque permite ao rapaz acessar todo um universo material que a presença do pai impedia – quase uma cadeia sucessória.

E, no entanto, o menino não enterra esse cadáver, não se desapega dele, da mesma maneira que ainda se apega aos sentidos de uma masculinidade tradicional. Ele reconhece a fragilidade desses sentidos e dessa relação, e por isso preserva o espaço da casa da presença das duas mulheres, da mesma maneira que omite o acontecimento e interioriza a questão, preservando-a de questionamentos: ele prefere continuar a viver com o corpo morto do pai.

Desde o começo do filme vê-se o menino fazer questão de ir para casa cedo, deixando para trás sua amiga. Vê-se o pai sair, deixando o menino sozinho, entediado: a existência dele é condicionada pelo pai. Mas é só no fim do filme que entende-se que essa posição é voluntária, e que ele é quem mais deseja se tornar um “big man”, mantendo vivo o desejo do pai.

Close está na Mostra Internacional 6. Clique aqui e veja a programação do filme no Festival de Curtas 2014

Estranhamente interessante

dia estranho

por Letícia Fudissaku –

Quando um recurso simples é bem explorado, fica clara a habilidade de seus realizadores. Em seus primeiros minutos, Dia Estranho já me chamou a atenção pelo uso acertado do voice over, geralmente usado em demasia – ou, citando informações que funcionariam melhor em imagem. A locução que inicia o curta, por outro lado, é mais convidativa que explicativa, estabelecendo um vínculo protagonista-espectador.

O jeito informal e meio desleixado do personagem falar me lembrou um pouco o começo do icônico Clube da Luta e logo me despertou interesse na história – que, por si só, já é bem atrativa. A premissa de um entregador de mercadorias “misteriosas” abre um leque de possibilidades – poderia até, quem sabe, originar uma série. Mas, dados os acontecimentos que se seguem – alguns até um pouco fantasiosos, mas ainda assim intrigantes –, a escolha do formato de curta-metragem foi mais um acerto.

Os aspectos estéticos também acrescem ao enredo, em especial os visuais: a fotografia meio sépia e contrastada evidenciam uma atmosfera de submundo e a montagem acelerada e os jump cuts condizem com a instabilidade emocional em que se encontra o personagem. As sequências repetitivas aumentam a sensação de agonia e o anseio para saber o que acontece a seguir. Depois desse redemoinho, a história se encerra em um final arrebatador.

Sem muitas abstrações, a narrativa de Dia Estranho é instigante e muito bem construída, com momentos de tensão de tirar o fôlego. O próprio título é uma bela síntese do curta, que contém ainda uma impactante trilha na sequência de créditos (iniciais e finais). É um dos poucos curtas em que consegui analisar seus diferentes aspectos individualmente, sem me perder ou perder o interesse na história em si. Estranho ou não, me diverti assistindo!

Dia Estranho está na mostra Panorama Paulista 5. Clique aqui e veja a programação do filme no Festival de Curtas 2014

Breves anotações do do curta brasileiro contemporâneo

algum lugar no recreio

Ricardo Corsetti –

Ao assistir o máximo possível de curtas apresentados na Mostra Brasil, percebi uma tendência dominante nessa categoria: a do experimentalismo vazio tentando se passar por “cinema de autor”. Destaco nessa categoria, curtas como Salomão (2013), dirigido por Alexandre Wahrhaftig e Miguel Antunes Ramos, e Até o Céu Leva Mais ou Menos 15 Minutos (2013), dirigido por Camila Battistetti.

No primeiro caso, o que vemos não é nada além de uma montagem feita a partir de imagens de operários de construção trabalhando, intercaladas por reproduções gráficas do mitológico Templo de Salomão ao qual a bíblia cristã faz referências. Ora, acho relevante abordar por meio de um curta documental a polêmica construção do faraônico Templo de Salomão empreendida pela Igreja Universal do Reino de Deus, uma instituição marcada pela exploração da boa fé de seus fiéis e sempre associada a formas “nebulosas” de enriquecimento. No entanto, ao invés de uma pesquisa séria ilustrada por meio de entrevistas e fatos esclarecedores acerca do tema, o que vemos em Salomão, não é nada além de uma simples e breve montagem de imagens que, teoricamente, deveriam permitir a livre associação por parte dos espectadores em relação à construção do templo real, mas que, na minha modesta opinião, não ultrapassa a barreira que separa o experimentalismo consciente e verdadeiramente transgressor das normas impostas pela narrativa clássica, do mero exibicionismo estético disfarçado de autoralidade.

Já em Até o céu leva mais ou menos 15 minutos, vejo apenas um bom trabalho de montagem/edição que visa encurtar e, ao mesmo tempo, tornar interessante o fato registrado, por meio de uma câmera estática: crianças berrando e chorando durante um passeio de carro. Confesso não entender mesmo o motivo deste curta ter feito, aparentemente, tanto sucesso entre o público participante do festival. Talvez isso se deva a evidente exploração da “fofura” do objeto filmado; o que, na minha modesta opinião, é mesmo muito pouco para justificar o êxito deste trabalho em termos autorais.

Por outro lado, destaco entre os curtas brasileiros que vi (embora tenham sido exibidos na mostra Panorama Paulista), Algum Lugar no Recreio (2014) [foto], dirigido por Caroline Fioratti e O que Fica (2014), dirigido por Daniella Saba. No primeiro filme, a trama e a estrutura narrativa são, sim, convencionais. Porém, vemos um roteiro bem escrito, com diversas tramas paralelas bem amarradas e também um ótimo trabalho de direção, a começar pelo belíssimo plano-sequência utilizado logo no início do curta, visando permitir a condução da ação aos próprios personagens em cena. O universo aqui retratado (problemas da adolescência) pode até não apresentar novidades, mas é belamente apresentado em termos técnicos.

Já em O que Fica, sei que muitos questionarão o fato de o roteiro ter sido escrito em francês, o que gera a obtenção de um humor tipicamente europeu. No entanto, foi justamente a sutileza do humor obtido pela roteirista e diretora do filme o que me cativou ao assistí-lo. Aqui também a estrutura narrativa é convencional o que, porém, em nada prejudica o filme, devido ao ótimo trabalho de direção, caracterizado por perfeito domínio do ritmo e consequente desenvolvimento da trama.

Por fim, faço questão de dizer que na condição estudante de cinema e aspirante a diretor, sou absolutamente a favor do experimentalismo e do autoralismo no cinema. Sobretudo no universo dos curtas-metragens que sempre renderam campo fértil à realização de tais práticas. Apenas faço ressalvas quanto ao experimentalismo vazio em termos de conteúdo que, muitas vezes, ao ser tão frequentamente praticado, acaba criando a ilusão de que um filme (ou curta, no caso) não pode ser convencional e muito bom ao mesmo tempo.

Quito: os conflitos e dúvidas da adolescência

quito

por Beatriz Modenese –

Caracterizada por ser um período de transição, a adolescência é uma fase da vida composta por conflitos e dúvidas. Quito, de Rui Calvo, é um retrato extremamente fiel e simples das agonias e delícias de ser um adolescente.

O garoto, que dá nome ao curta, pela primeira vez depara-se com uma certa liberdade, e com essa, a responsabilidade em suas escolhas. A dificuldade de escolher um curso de graduação, as dúvidas em relação ao que se quer ser no futuro – quando não se há a mínima ideia. Quito, que vai de bicicleta à escola, busca agora dinheiro para conseguir tirar sua habilitação. Sente-se inferior ao amigo que dirige, que nem carta possui. Como ele mesmo diz em certa cena, sente “inveja”. A competição está sempre implícita nas relações não apenas jovens, mas acredito eu que em qualquer fase da vida.

A narrativa também encontra caminho para outro tema: os desentendimentos entre pais e filhos. As ideias não se encontram, e quando mãe e filho se desentendem em relação à habilitação (enquanto ele quer tirá-la, a mãe contrapõe: “a gente nem tem carro”), tudo toma proporções maiores (“não preciso mais pagar seu vestibular então”, “seja homem e venha aqui olhar na minha cara”). Quito é um personagem padrão: 18 anos, preocupado com sua imagem, apresenta conflitos de personalidade, sexualidade, superioridade, familiares. Acredito que a identificação do espectador nas personagens é parte importante, já que em mínimos detalhes, este objetivo é atingido. Por exemplo, numa cena na qual um funk conhecido toca, ou as “brincadeiras” feitas na escola.

A narrativa é leve e o tema comum. A temática adolescência é explorada de forma pouco aprofundada. O espectador busca durante todo o enredo um clímax, um turning point. Mas quando vê, acaba. Final esse que não carrega qualquer resolução aos conflitos do garoto, e a conclusão que levamos é a mesma que temos, ao viver: problemas sempre haverão (“E ai?” “E ai o quê?” “É isso, ué”).

Quito é a prazerosa tradução de uma tendência contemporânea do cinema brasileiro, que volta-se cada vez mais ao público jovem; público este que está sempre em busca, principalmente através da arte, de desmistificar suas agonias e dúvidas em relação à vida.

Quito está na mostra Panorama Paulista 2. Clique aqui e veja a programação do filme no Festival de Curtas 2014

Contos da Maré: a inocência e a sagacidade

contos da mare2

Por Eleonora Del Bianchi –

Pessoalmente nunca entendo ironias e sempre acredito nas história mais bizarras. Quando  questionada de como não desconfio, respondo: tudo é possível!

O curta Contos da Maré me encantou muito por tratar de temas bonitos que já renderam tantas outras produções boas também: a inocência e as histórias orais. Sempre me lembro da cena do filme O Contador de Histórias quando Marguerit e Roberto Carlos assistem a apresentação de rua de um vendedor de bugigangas. Ela compra o que ele  diz ser a caneta que a princesa Isabel usou para assinar a Lei Áurea e Roberto fica bravo, pois o homem tinha várias outras, aquela com certeza não era a original: “Eu não estou comprando a caneta, estou comprando a história”, diz ela. É um filme incrível, real e inocente. Ela acredita  no menino e ele aprende a ver coisas bonitas no mundo, que não pensava ser possível ver e  acreditar e a passar isso adiante.

Também me lembrei do Mundo imaginário do Dr Parnassus falando do desmoronamento do  mundo sem as histórias contadas, sem as leituras e o acreditar no faz de conta. Quando somos pequenos ouvimos histórias e tudo faz sentido, não desconfiamos de nossos narradores pois não sabemos muito sobre nada, não criamos padrões. Somente ouvimos e absorvemos as informações. E o mundo parece tão maior e infinito.

O curta mistura a história do Complexo da Maré, conglomerado de favelas na zona norte do Rio de Janeiro, com a da família do diretor e roteirista Douglas Soares, usados como os atores do  curta, com a vida cotidiana no local e com as lendas urbanas que marcaram os moradores quando crianças, antes do smartphone e popularização da televisão nas conversas de fim de noite depois do jantar e que repassam hoje aos jovens boca a boca. “Toda a minha infância eu passei no Complexo da Maré, entre meus tios e avós maternos, que me contavam muitas histórias do passado daquele lugar. Queria trazer para a obra a mesma sensação íntima e afetiva que sentia quando meus familiares me recebiam, cuidavam e narravam histórias e lendas para mim, minha irmã e meus primos”, diz o diretor.

Os folclores que eles contam vão desde o inexplicável das noite escuras, sem eletricidade, com  barulhos bizarros que relacionavam a lobisomens e usavam para manter os filhos em casa: “A  noite é do bicho”; Ao bizarro, como o homem que teve um filho parecido com os porcos que vendia, e que teve de ir até à Polícia de tanta gente que queria ver. E às invenções de locais comuns, como a mulher que cozinhou uma sopa muito ruim que diziam ser cobra, e todo  mundo que tomou morreu, só sobrou ela que virava cobra todo ano, começando a descamar na semana santa.

Cada narrador usa uma máscara de animal. Eles podem estar representando a história, mas nem por isso elas deixam de ser reais, de certa forma. Um dos tios diz: “Acho que as coisas hoje não existem mais porque as pessoas pararam de acreditar. As pessoas não conhecem mais, mas quando a gente conta eles ficam fascinados”.

Ao final o avô diz que não toca teclado, que fica no automático e ele toca nota aleatórias. A avó diz que não, que ele toca muito bem.

Ele ri e continua, dizendo que essas historias são mentira, que lobisomem não existe nada. E no fim o vemos tocando. Ele aperta as teclas sem medo, apesar de claramente não saber bem o que está fazendo. Ainda assim elas se harmonizam com o som contínuo do teclado e, apesar de que talvez seja verdade que ele não saiba tocar, ele está feliz tocando – sua esposa fica por perto e gosta de ouvi­-lo e o resultado vale a pena escutar.

Contos da Maré está na Mostra Brasil 10. Clique aqui e veja a programação do filme no Festival de Curtas 2014